Body Horror ist ohne Zweifel eines der eindringlichsten Subgenres im Kino. In einem Aufsatz für „The Rumpus“ über body horror und seine Beziehung zum späteren Kapitalismus schrieb Davey Davis: „[body horror] ist weitaus mehr, als dass er uns nur den Magen umdreht, er geht auf fantastische und bösartige Weise mit den Ängsten einher, die wir alle um unseren eigenen Körper haben.“ Verletzlichkeit.“ Ein Teil dessen, was Body Horror filme so wirkungsvoll macht, ist ihre obsessive Beschäftigung mit dem Körperlichen, Fleischlichen und Verunreinigten.
Selbst unter dem Dach dieser Signifikanten ist Body Horror ein sehr vielfältiger Bereich der sprichwörtlichen Videothek, in dem es keinen allgemeinen Konsens darüber gibt, was ein richtiges Body Horror Bild ist und was nicht. Obwohl es viele Beispiele für Body Horror in der Animation gibt („Prinzessin Mononoke“ und „Akira“ enthalten beispielsweise Elemente davon), konzentriert sich diese Liste ausschließlich auf Live-Action-Filme. Hier sind 16 der besten Body Horror filme aller Zeiten.
15. Das Zeug
Entweder „The Blob“ oder sein Remake von 1988 hätten es auf diese Liste schaffen können, aber wenn es um zähflüssige body horror Filme geht, sollten Sie sich stattdessen „The Stuff“ ansehen. „The Stuff“, ein Film von Schlock-Maestro Larry Cohen („It’s Alive“, „Maniac Cop“) aus dem Jahr 1985, erzählt die Geschichte einer empfindungsfähigen weißen Gänsehaut, die unter der Erde hervorquillt und beginnt, die Gedanken der Menschen zu übernehmen und sie in Menschen zu verwandeln Sachensüchtige Drohnen. Als das Zeug als Eiscreme-Alternative an die breite Masse vermarktet wird, stehen ihm nur Michael Moriartys ehemaliger FBI-Agent, ein Werbefachmann (Andrea Marcovicci) und ein frühreifer Junge namens Jason im Weg.
„The Stuff“ hat alles: „Saturday Night Live“-Originaldarsteller Garrett Morris, einen Cameo-Auftritt von Danny Aiello, Paul Sorvino als Anführer einer Armee rechter Überlebenskünstler, die Frau aus „Where’s the Beef?“ von Wendy. Werbespots und der unsterbliche Satz „Na ja, jeder muss ab und zu Rasierschaum essen.“
14. Tetsuo: Der Iron Man
Wenn es um Body Horror geht, wäre es dumm, das Erbe des bahnbrechenden japanischen Cyberpunk-Splatter-Festes „Tetsuo: The Iron Man“ zu übersehen. Shinya Tsukamatos kurzer, aber unvergesslicher Film erschien nur ein Jahr nach „Akira“ (in dem bekanntlich auch eine Figur namens Tetsuo zu sehen ist, deren Körper mit Maschinen verschmilzt) und erzählt die Geschichte eines gewöhnlichen Gehaltsempfängers, der eine überraschende Cyborg-Transmogrifizierung durchläuft. Der Protagonist von Tomorrow Taguchi (im Abspann einfach als „Mann“ bezeichnet) wird von einem fetischistischen Wahnsinnigen heimgesucht, der von allen metallischen Dingen besessen ist, und das Blutbad und der nicht jugendfreie Wahnsinn, die darauf folgen, können sich wirklich sehen lassen.
Der Midnight-Filmexperte Michael J. Weldon beschrieb „Tetsuo: The Iron Man“ in seinem Psychotronic Video-Magazin als einen „rasanten, schockierenden, gruseligen (und lustigen!) Film, der Stop-Motion, überraschende Spezialeffekte, Monster usw. bietet.“ mutierte Katze, Flashback-Sex und viel Schweiß, Schmerz, spritzendes Blut, Maden, Mutationen und laute Schreie. „Tetsuo: The Iron Man“ enthält auch eine Sexszene, die möglicherweise noch obszöner und empörender ist als einige der anderen hier aufgeführten Filme, also sollten sich die Zuschauer in Acht nehmen.
13. Hirnschaden
Frank Henenlotters Interpretation von Nancy Reagans „Just Say No“-Kampagne „Brain Damage“ aus dem Jahr 1988 ist eine grelle und profane Darstellung von Sucht. Rick Hearst spielt Brian, einen unzufriedenen New Yorker, der auf eine anthropomorphe außerirdische Schnecke namens Aylmer trifft, deren Stimme vom Moderator des Kult-Horrorfilms John Zacherle gesprochen wird. Aylmer ernährt sich, indem er menschlichen Wirten einen Rüssel in den Nacken injiziert, der sie mit einer Ecstasy-ähnlichen halluzinogenen Flüssigkeit versorgt. Er isst auch Gehirne, und „Brain Damage“ scheut sich nicht, dies möglichst anschaulich darzustellen.
Dieses düster-witzige Low-Budget-Juwel, gedreht vor Ort in den letzten Überresten des schmutzigen Manhattan der 80er Jahre, ist in leuchtendes Retro-Licht getaucht und grenzt an Verwerflichkeit. Laut Henenlotter ist die Crew während der Dreharbeiten zu einer besonders expliziten Szene davongelaufen . „Brain Damage“ zeichnet sich auch dadurch aus, dass es der einzige hier aufgeführte Film ist, der eine Musicalnummer enthält.
12. Ausgeflippt
„Freaked“ ist zwar frustrierend schwer zu finden, aber wenn man es findet, wird man eine Menge Spaß haben. Unter der gemeinsamen Regie von „Bill & Ted’s Excellent Adventure“-Star Alex Winter und Tom Stern spielt „Freaked“ Winter in der Hauptrolle eines narzisstischen Schauspielers namens Ricky Coogan, der von einem schändlichen Unternehmen als Sprecher einer chemischen Verbindung namens Zygrot 24 angeheuert wird Auf dem Weg zur südamerikanischen Fabrik des Unternehmens kommt es zu Übergriffen und Coogan findet sich auf einer „Freak Farm“ wieder, die von Randy Quaids Elijah C. Skuggs beaufsichtigt wird. Dort trifft er auf eine provisorische Mutantenfamilie, zu der ein Mann mit einer Socke als Kopf (Bobcat Goldthwaite), eine bärtige Dame (Mr. T), ein riesiger Wurmmann, eine Figur, die im Grunde nur eine Nase ist, und ein Zweibeiner gehören Kuh namens „Cowboy“, gespielt von John Hawkes.
Coogan wird bald von Skuggs und seiner „Tasty Freaks Machine“ deformiert und muss sich mit den anderen Außenseitern der Farm zusammenschließen, um ihre Flucht zu planen. „Freaked“ enthält außerdem Cameo-Auftritte von Winters „Bill und Teds verrückte Reise“ mit William Sadler und einem nicht im Abspann aufgeführten Keanu Reeves als Che Guevara-artigen Ortiz the Dog Boy. Screaming Mad George , ein japanischer Emigrant, der auch an „Predator“ und „Big Trouble in Little China“ mitwirkte, brachte sein Talent für die aufwändigen Effekte des Films ein.
11. existierenZ
„eXistenZ“ ist das großartige Statement des Autors David Cronenberg zur Videospielkultur, gespickt mit seinen charakteristischen Neigungen zum Body Horror. In diesem Film, der hoffentlich nicht sein letztes Werk in diesem Subgenre darstellt, spielen Jude Law und Jennifer Jason Leigh die Hauptrollen eines Marketingagenten bzw. eines weltberühmten Spieleentwicklers, die in naher Zukunft in eine tödliche Verschwörung verwickelt werden. Allegra Geller von Leigh hat eine immersive neue Spieleplattform entwickelt, die sich windende, sexualisierte Konsolen beinhaltet, die sich buchstäblich in den Körper ihrer Benutzer einstecken.
Es gibt zahlreiche Ähnlichkeiten zu Cronenbergs „Videodrome“ (mehr zu diesem Film später). Es gibt eine fleischige Waffe, die menschliche Zähne als Kugeln abschießt, und das Ende ist sowohl zweideutig als auch erschreckend. Ähnlich wie sein Pendant aus dem Jahr 1999, „The Matrix“, zeigt „eXistenZ“ verschachtelte Realitäten und hinterfragt, was real und was virtuell ist. Es ist ein bemerkenswert vorausschauender Film, der unsere zunehmend distanzierte und digital versunkene Welt anspricht, obwohl er von veralteter Ästhetik der Jahrhundertwende trieft. Wie Ted Pikul von Law es ausdrückt: „Hier ist alles schmutzig, absurd, grotesk!“
10. Gesellschaft
Wenn Sie es ertragen können – es besteht eine sehr gute Chance, dass dieser Film der ekelhafteste Eintrag auf dieser Liste ist – ist „Society“ von Regisseur Brian Yuzna Ihre Zeit auf jeden Fall wert. Dieser Kultfilm aus dem Jahr 1989 beginnt als seifiges Teenager-Melodram, bevor er sich in eine abstoßende und perverse Satire über die Oberflächlichkeit der Beverly Hills-Bourgeoisie verwandelt. Wir beobachten, wie der Oberstufenschüler Bill (Billy Warlock) zunehmend paranoid wird und den Verdacht hegt, dass hinter der sonnigen Fassade seines Viertels etwas Unheimliches lauert.
Was Bill erfährt, ist, dass praktisch alle anderen in den Hügeln Außerirdische unbekannter Herkunft sind, die sich buchstäblich an den Armen laben. Der unvergessliche Höhepunkt des Films macht ihn wirklich bemerkenswert: Das Herzstück des dritten Akts, „The Shunt“, ist eine gewaltige, inzestuöse, kannibalische Orgie in einem noblen Herrenhaus in Los Angeles. Der Shunt spielt auf Strauss‘ „Die blaue Donau“ und ist eine sich windende Bacchanie aus verdrehten Gliedmaßen, verschmolzenem Fleisch, schleimigen Mutationen und Folter. Wieder einmal waren diese ausschweifenden und heruntergekommenen Spezialeffekte das Werk des stets beeindruckenden Screaming Mad George.
9. Besitzer
„Possessor“ aus dem Jahr 2020 ist der zweite umwerfende Film von Brandon Cronenberg, dem Sohn von David, dem König des Body Horrors. Obwohl er bestritten hat, sich von „eXistenZ“ seines Vaters inspirieren zu lassen, sind die Ähnlichkeiten schwer zu leugnen. In beiden Filmen ist beispielsweise Jennifer Jason Leigh als undurchschaubare Führungskraft eines mysteriösen Unternehmens zu sehen. Wie Cronenberg sagt, wurden die psychedelischen Bilder des Films von „Opera“ des Giallo-Autors Dario Agrentos inspiriert .
Die Handlung von „Possessor“ handelt von einer Söldnerin namens Tasya Vos, gespielt von Andrea Riseborough („Mandy“), die eine ungeklärte Technologie nutzt, um die Gehirne anderer Menschen zu kapern, um ihre Ziele ohne Konsequenzen zu töten. Während ihrer letzten Mission laufen die Dinge furchtbar schief, und schon bald beginnen die Grenzen zwischen Tasya und ihrem Wirtskörper zu verschwimmen, was dazu führt, dass ihre Identitäten gegeneinander um die Kontrolle kämpfen. Was folgt, ist eine alptraumhafte Prozession aus Ultragewalt und psychologischer Kriegsführung. Wie die besten Body Horror filme untersucht „Possessor“ die Schnittstellen zwischen Sexualität und Gewalt, ist aber auch ausgesprochen modern und thematisiert die entfremdende Natur des Metaversums und den Verlust von Privatsphäre und Entscheidungsfreiheit im digitalen Zeitalter.
8. Titan
Julia Decourneaus hypnotisierender Gewinner der Goldenen Palme 2021 „Titane“ bewegt sich auf der Grenze zwischen body horror, magischem Realismus und New French Extremity . Aber es ist so viel mehr als das – es ist zu gleichen Teilen klug, blutig, spannend und unerwartet zärtlich. „Titane“ spielt Agathe Rousselle als Alexia, eine exotische Tänzerin, die auf Automessen auftritt und eine Metallplatte im Kopf hat, die das Ergebnis eines verheerenden Autounfalls ist, den sie als Kind überlebt hat. Alexias Automobilbesessenheit geht jedoch über bloße Bewunderung hinaus und geht ins Erotische über (weitere Ausführungen würden bedeuten, eine der vielen Überraschungen des Films zu verderben; „Titane“ ist eine Fahrt, die man am besten ohne oder mit wenig Kontext genießt).
In seinem Buch „Terminal Identity: The Virtual Subject in Postmodern Science Fiction“ grübelt der Filmwissenschaftler Scott Bukatman über das „Cyborg-Manifest“ der feministischen Theoretikerin Donna Haraway, etwas, das „Titane“ bewusst oder unbewusst hervorruft. „Haraways neue Cyborg-Mythologie … hebt die künstlichen Diskontinuitäten der geschlechtsspezifischen Ideologie auf“, sagt Bukatman. Performative Geschlechtsidentität, toxische Männlichkeit und Psychopathie sind nur einige der Elemente, die im aufgemotzten Motor des Films herumschwirren. Allerdings ist „Titane“ alles andere als eine antiseptische intellektuelle Übung. Es ist genauso schockierend und gewalttätig wie Decourneaus Kannibalen-Coming-of-Age-Film „Raw“ aus dem Jahr 2016.
7. Absturz
„Crash“ erschien am Ende des Erotik-Thriller-Booms der späten 80er und Mitte der 90er Jahre und adaptiert JG Ballards gleichnamigen Blitzroman, den er als „den ersten auf Technologie basierenden pornografischen Roman“ bezeichnete . „Crash“, der weithin als einer der besten Filme von David Cronenberg gilt, erforscht eine zwielichtige Subkultur von Fetischisten, die unter Symphorophilie leiden und durch die Inszenierung von Autounfällen sexuelle Erregung empfinden. Sie vertreten eine „wohlwollende Psychopathologie“, die glaubt, Autounfälle seien „befruchtende“ Ereignisse. James Spader spielt einen polyamorösen bisexuellen Filmemacher im Bann des Kult-Sadomasochisten Dr. Robert Vaughan (Elias Koteas). Holly Hunter und Rosanna Arquette tragen dazu bei, die Verdorbenheit des Films in ihren Nebenrollen zu untermauern.
Wie andere Filme in Cronenbergs Oeuvre täuscht auch „Crash“ über die Faszination für Wunden, die Zerbrechlichkeit des menschlichen Fleisches und die Schnittstelle zwischen Sexualität, Maschinerie und Sterblichkeit hinweg. „Crash“ gewann 1996 einen Sonderpreis der Jury in Cannes und gilt als Höhepunkt des Body Horror Genres.
6. Re-Animator
„Re-Animator“, eine lose Adaption eines Fortsetzungsromans von HP Lovecraft, ist aus mehreren Gründen ein bahnbrechendes Werk. Der Film aus dem Jahr 1985 war das Regiedebüt des verstorbenen Stuart Gordon und krönte Barbara Crampton und Jeffrey Combs zu Horrorfilmkönigen (Crampton sollte in „Chopping Mall“, „Castle Freak“, „You’re Next“ und „You’re Next“ mitspielen). „The Lords of Salem“; Combs war in „From Beyond“, „The Frighteners“, „House on Haunted Hill“ und anderen zu sehen. In „Re-Animator“, einer von Brian Yuzna aus „Society“ bekannten Produktion, spielt Bruce Abbott den angehenden Medizinstudenten Dan Cain. Kurz darauf gerät er in die Fänge seines seltsamen Mitbewohners Herbert West, der eine Technik zur Wiederbelebung von Toten perfektioniert hat. Natürlich haben Wests Methoden … Konsequenzen.
Gordon wurde mit den Worten zitiert : „Horror und Sex gehen Hand in Hand“, und das kommt in „Re-Animator“ zum Ausdruck. Der Höhepunkt ist unglaublich grausam und beinhaltet, wie einige andere Einträge auf dieser Liste, eine herrlich blutige Kopfzertrümmerung. Wie die besten Body Horror filme verfügt auch „Re-Animator“ über eine köstlich ironische Coda.
5. Videodrom
Die Handlung von David Cronenbergs „Videodrome“ zu analysieren, ist eine große Herausforderung. Es erzählt die Odyssee des schäbigen Raubkopie-Kabelfernsehsenders Max Renn (James Woods), der sich auf ein tumorauslösendes Piratenvideosignal konzentriert, das schreckliche Schnupftabakaufnahmen ausstrahlt, und bald in ein größeres Mysterium hineingezogen wird, in dem es um Figuren mit Namen wie Barry Convex und Barry Convex geht der Dr. Mabuse-artige Brian O’Blivion („Videodrome“ ist in dieser Hinsicht nicht besonders subtil). Währenddessen durchläuft Renn eine körperliche Transformation, die direkt aus dem Body Horror Lehrbuch stammt: Auf seiner Brust wächst eine Vaginalöffnung, und seine Hand verschmilzt mit einer Pistole (oder doch?).
Inspiriert von den Werken des Philosophen Marshall McLuhan beschäftigt sich dieser mit BDSM beladene Vorläufer von „eXistenZ“ ebenfalls mit der Bildschirmsucht und der Art und Weise, wie im Fernsehen übertragene oder digitale Bilder die eigene Wahrnehmung verzerren können. In einem Aufsatz für The Criterion Collection behauptet Gary Indiana, dass „‚Videodrome‘ gleichzeitig die weitverbreitete Ansicht untermauert und gleichzeitig diskreditiert, dass der Kontakt mit gewalttätigen Bildern uns desensibilisiert und uns emotional so taub macht, dass wir nur durch Schmerz Empfindungen empfinden können.“ „Videodrome“ ist zweifellos einer von Cronenbergs größten Triumphen und wird nicht sein letzter Film auf dieser Liste sein.
4. Invasion der Body Snatcher
Vor dem Hintergrund der Bohème der Bay Area weist „Invasion of the Body Snatchers“ aus dem Jahr 1978 Ähnlichkeiten mit der Nummer zwei auf dieser Liste auf. Es ist ein beispielhaftes Remake eines Schwarz-Weiß-Thrillers aus den 50er Jahren, der den unkalkulierbaren Horror untersucht, der mit dem Verlust der Autonomie über den eigenen Körper einhergeht. Regisseur Philip Kaufman fesselt die Zuschauer sofort mit der trippigen Titelsequenz des Films und gibt von da an nicht nach, indem er für die Dauer der Laufzeit des Films eine Atmosphäre der Angst und Anomie schafft.
Die Besetzung von „Invasion of the Body Snatchers“ ist großartig: Brooke Adams, Veronica Cartwright, Leonard Nimoy als New-Age-Psychiater, ein junger Jeff Goldblum in Höchstform und Donald Sutherland in der Hauptrolle des Gesundheitsinspektors von San Francisco Matthew Bennell. Wie im Original von 1958 dreht sich die Handlung um einen parasitären Alien-Einfall, der menschliche Körper nachbildet, um eine Armee von Zombies aufzubauen. Der Film ist greifbar, verstörend und in der heutigen, von einer Pandemie heimgesuchten Ära der Desinformation und des gesellschaftlichen Unbehagens leider nur allzu relevant.
3. Außerirdischer
Normalerweise wäre es ein Verbrechen gegen das Kino, „Alien“ den ersten Platz auf einer „Best of“-Liste zu verweigern. Aber da es sich hier ausschließlich um Body Horror handelt und da „Alien“ mit einem insektoiden Fuß fest im Science-Fiction-Genre verwurzelt ist, geht die höchste Auszeichnung an einen Titel, der wirklich puren, unverfälschten Body Horror verkörpert.
Dennoch ist es der einzigartige Lebenszyklus der Kreatur des Titel-Xenomorphs, der „Alien“ für diese Liste qualifiziert. Seine neonatale Form ist der „Facehugger“, der seine Opfer oral schwängert. Danach reift der Xenomorph-Fötus in den unwilligen Körpern seiner Beute und beginnt schließlich sein Leben als buchstäblicher „Chestburster“, bevor er sich schnell zu einer unaufhaltsamen, zwei Meter großen Tötungsmaschine entwickelt.
Die außerirdische Bedrohung verkörpert eine Vielzahl menschlicher Ängste. Viele Kritiker haben bemerkt, wie „Alien“ unsere Ängste vor Sex, Fortpflanzung und Mutterschaft auslöst. Aber laut Scott? „Es geht nur um Terror und noch mehr Terror.“
2. Das Ding
Im glücklichen Sommer 1982 konnten Kinobesucher ins Kino gehen und „Blade Runner“, „Mad Max 2: The Road Warrior“, „ET – Der Außerirdische“, „Star Trek II: Der Zorn des Khan“, „Tron, „Und John Carpenters wenig beachtetes und vielbeachtetes „The Thing“, das seitdem neu bewertet und als Klassiker des Horror-Genres aller Zeiten und als eines der besten Remakes aller Zeiten anerkannt wurde. Basierend auf der Novelle „Who Goes There?“ aus dem Jahr 1938 bietet „The Thing“ für sein rein männliches Ensemble einen Spießrutenlauf der Paranoia. In einer abgelegenen arktischen Forschungseinrichtung landet ein außerirdischer Gestaltwandler in der nahegelegenen Tundra und beginnt, Besitz von den hartgesottenen Männern zu ergreifen, wobei er von Wirt zu Wirt zieht und ein blutiges Amoklauf ausführt.
Rob Bottins Kreaturenarbeit in „The Thing“ (mit Unterstützung des legendären Stan Winston) ist ein nahezu unvergleichliches Beispiel für die Qualität praktischer Effekte der alten Schule . Carpenter selbst agiert ebenfalls im völligen Gottmodus. Jedes einzelne Bild von „The Thing“ ist erfüllt von Klaustrophobie und Angst. Während die Zahl der Leichen des außerirdischen Eindringlings zunimmt, beginnt die hypermaskuline Crew, sich gegenseitig anzugreifen. Die Kontrolle über den eigenen Körper zu verlieren ist eines der beängstigendsten Dinge, die man sich vorstellen kann, eine Angst, die „The Thing“ meisterhaft ausnutzt freaks and geeks.
1. Die Fliege
Der Spitzenplatz auf dieser Liste musste dem Film vorbehalten werden, der das Konzept des Body Horrors am besten veranschaulicht. „The Fly“, David Cronenbergs Krönung in diesem Subgenre, erzählt die tragische Geschichte von Seth Brundle (Jeff Goldblum), einem genialen Erfinder, der eine Methode zur Teleportation organischer Materie entwickelt. Wie im Original von 1958 gibt es düstere Folgen, als eine verirrte Fliege in einer von Brundles Teleportationskapseln landet, während er sie arrogant an sich selbst testet. Infolgedessen durchläuft Brundle eine allmähliche und qualvolle Verwandlung in einen zweibeinigen Insekten-Mensch-Hybriden, was ihn seine aufkeimende Beziehung mit der charmanten Journalistin Veronica Quaife (Geena Davis) kostet.
Das Oscar-prämierte Make-up und die Spezialeffekte von Chris Walas und Stephan Dupois halten bis heute und dienen als ideale Umsetzung von Cronenbergs morbiden Fixierungen. Was „The Fly“ von den oben genannten Filmen unterscheidet, ist, dass es sich nicht nur um ein Meisterwerk des body horror handelt, sondern letztlich auch um eine zum Scheitern verurteilte Romanze, und Goldblum und Davis geben in ihren Darstellungen ihr Bestes. Die Verletzlichkeit und der unvermeidliche Verfall des menschlichen Fleisches wurden selten so eloquent auf der Leinwand dargestellt.